LINDEN日記

ラ・フォル・ジュルネまとめ

連休が終わって2週間も経っていないというのに、何だかすっかり記憶の彼方になってしまいそうなラ・フォル・ジュルネですが、遅ればせながら、思い出しつつ、自分用のまとめ。私が足を運んだのは東京国際フォーラムでの以下の公演。それぞれ寸評も付けます。

5月2日
東日本大震災復興支援スペシャル・コンサート～ホールC
都響の演奏は、震災後日本のオーケストラの音楽の質までが変貌したことを如実に感じさせるものでした。小泉和裕の指揮は久しぶりに見ましたが、腕の下ろし方がカラヤンに似ているような…。ヴォーチェス８の演奏はここで初めて耳にしましたが、その爽やかなハーモニーは鮮烈な印象でした。ここでルネ・マルタンは挨拶で「音楽は困難な、打ちのめされたときにこそ、力になってくれるものです」と言っていました。この言葉ほど、音楽がいまあることの意味を集約した言葉はない。こういう強い言葉を語ることのできる人物こそ、真のプロデューサーだと思いました。

5月3日
フローラン・ボファール（ピアノ）リサイタル～G409
リストの「悲しみのゴンドラ」は、名前の美しさの割には、舟歌的なところは皆無。暗く不気味な曲であり、これまではどうにも捉え難い印象でした。しかしボファールの演奏はリストという作曲家がどれほどこの作品に深い内面的なドラマを持ちこんでいたかをえぐり出すもので、暗く濁った水面に潜む不吉な幻影を見つめるかのよう。リストの無調的な作品の本質を突いていると思いました。続くシェーンベルク「３つのピアノ曲」op.11、そしてブラームスの６つのピアノ小品op.118にも、強い感銘を受けました。ペダルを控え、音楽の核心だけを的確につかみだすような、知的でコントロールの行き届いた、それゆえに聴き手の側が自然と情感に満たされていくような、とてもいい演奏でした。

シャニ・ディリュカ（ピアノ）リサイタル～G402
このピアニストも素晴らしい。ボファールとは対照的に、情念型。思いのたけをぶつけ、全身全霊で弾く。けれども、どこかでコントロールがちゃんと働いている。そのバランスが絶妙。インタヴューで彼女はリストには百の感情があると言っていたけれど、そういう万華鏡のようなリスト。彼女の演奏にかかると、天の高みから谷底の絶望まで、神への祈りから悪魔の呪いまで、リストの一つの曲に盛り込まれている。「エステ荘の噴水」「オーベルマンの谷」は、録音のみならず、あのような優れた実演でこそ面白く体験できるものなのかもしれません。

庄司紗矢香（ヴァイオリン）、シャニ・ディリュカ（ピアノ）～よみうりホール
庄司紗矢香のブラームスのソナタは比較的最近ミューザ川崎で第3番を聴いて強い感銘を受けたばかりですが、あまり日をおかずして1番を聴けるとは幸いでした。演奏の印象を一言でいうと、ブラームスに関する限り庄司紗矢香は「ヴァイオリンのチェリビダッケ」だと言いたいですね。あれほど濃厚に、じっくりと、ゆったりと、心ゆくまでブラームスを味わいつくすことのできる演奏がありうるものかと思いました。「雨の歌」という作品に秘められている和声とメロディの息の長さ、豊かさを、あたかも果汁たっぷりな果実にかぶりつくように、むさぼるような思いで堪能しました。

5月4日
竹澤恭子（ヴァイオリン）、加藤洋之（ピアノ）～ホールC
翌朝はブラームスの2番と3番のソナタを、世界の竹澤恭子のヴァイオリンでスタートという贅沢さ。けれども、何かが物足りない。竹澤さんは見事なのだけれど、おそらくピアノがヴァイオリンに遠慮しすぎていたのではないかと…。ピアノが常に一歩下がってプリマドンナの伴奏の域にとどまっていては欲求不満になります。歌曲ならそれでもＯＫですが、やはりブラームスのソナタではピアノとヴァイオリンは対等に会話をした方がいい。そういう意味では、前夜の庄司紗矢香のブラームス、実はシャニ・ディリュカのピアノも大きな役割を果たしていたと気が付きました。

エマニュエル・シュトロッセ（ピアノ）～G409
オール・ブラームス。２つのラプソディ、主題と変奏、小品集op.118。主題と変奏が最も聴かせる内容でした。やや疲れているように感じられたのは気のせいでしょうか。

広瀬悦子（ピアノ）～G409
オール・ブラームス。ヘンデルの主題による変奏曲のみ聴きました。華麗な技巧、落ちついた変奏曲全体の設計の見通しの良さ。とても満足。ブラームスもまた、華麗なテクニシャンの面を持っていたということを思い出しました。

ヴォーチェス８～よみうりホール
私のいた場所はさほど響く場所ではなかったのですが、それだけに声のアンサンブルが裸になって、面白く聴くことができました。ブラームス、レーガー、ブルックナーの宗教的な合唱曲ばかりという渋いブログラムであるにも関わらず、とても親しみやすく、誰にでも楽しめる音楽に仕上げるというのは、並大抵のことではありません。それは彼らの明るいキャラクターとコミュニケーション能力だけではない。少人数のみずみずしく若い声のヴォーカル・アンサンブルへと、重厚なドイツの合唱作品を還元することのできる、彼らの音楽的能力の高さに起因するのだと思います。

小曽根真（ピアノ）～展示ホール
最初の一音で涙が出ました。たとえＰＡを通していても、この人のピアノの音はピュアで優しくて、まっすぐ心に届くものがあります。ブラームスを使った即興も披露しましたが、小曽根さんという人の人間性の暖かさ、さわやかさ、少しも権威的でないところ、自由さ、そういったものが、すべて音に出ていると思いました。ジャズかクラシックか、ということなどとうに超えている。優れた音楽家はみな人を幸せにする能力が高いのだと思いますが、小曽根さんは飛びぬけてその力がある。最後に「ガンバロー」とこぶしを上げておられましたが、その必要はまったくないと思えるほど、音楽の力で励まされました。

「月に憑かれたピエロ」マリアンヌ・プスール（ソプラノ）他～ホールD7
幸い、手元に光の当たる場所に座ったので、テキストを読みつつ、詩と音楽を味わうことができました。といっても明確なドラマがあるわけではなく、感覚で味わうシュールな怪奇世界の極限。なかなか優れた実演では体験できないシェーンベルクの傑作を、こころゆくまで味わいました。一言で言うと、強い酒を味わうような大人の作品。詩句は極めて魅力的なものです。抜粋するなら、「眼から飲む酒は緑色の波となって」「月から流れ出て」「白いサーベルのような月」が「そぞろ歩きのピエロ」を「無限の闇のなかで夢見る贖罪の死のために」「頸に音をたてて打ちおろされる」。「詩はおおきな十字架だ」「そこで赤い詩人が血を流す」。「不協和音を出すグロテスクな弓」のセレナーデ。「揮発した古い香水」と「甘く狂った突風」。こういう詩的なめくるめく危険な感覚が、そのまま音楽になっている。それを体験することが、いかに鑑賞者の感覚を誘惑し、美の次元を新たに拓くラディカルなものであることか。シェーンベルクの作品の中でもとびきり素敵なこの作品を、詩と音楽だけで生で味わったこのコンサートは、今回の音楽祭の中でもハイライトの一つでした。

テディ・パパヴラミ（ヴァイオリン）、クレール・デゼール（ピアノ）～G409
ブラームスのソナタ2曲、1番と2番。パパヴラミは情に流されない人。自己に厳しく、鍛錬された騎士のように音楽をする。そういう意味で、カルミニョーラをほうふつとさせるものがありました。そういう厳しさもまたブラームスの一面ですが、それでも、詩人というか、豊かな感情がどうしても音楽から溢れ出てくる。デッドな音の空間でしたが、それだけにパパヴラミの非凡な力量が伝わるいいリサイタルでした。

5月5日
ツェムリンスキー弦楽四重奏団～G402
ツェムリンスキーの弦楽四重奏曲第3番を生で聴くというのは、これを逃したらまずチャンスはなかろうと思い、朝イチに選びました。若いこのカルテット、勢いがあって、とても好ましい人たち。その後のドヴォルザークの第13番ト長調op.106ともども感じたのは、何となくブラームスの影が見えるということ。ツェムリンスキーの方が冒険にあふれていて、洒脱なところもある。一方のドヴォルザークはもっとのびやか。このあたりから、今回の「タイタンたち」というテーマの中の最大の存在はやはりブラームスではないかとおぼろげに思えてきました。レーガーにしてもシェーンベルクにしてもツェムリンスキーにしても、マーラーにしてもＲ・シュトラウスにしても、全部ブラームスから始まっているのではないか。

フランク・ブラレイ（ピアノ）～G409
Ｒ・シュトラウスのピアノ曲ばかりというリサイタル。初めに長いブラレイの楽曲説明があってから演奏に移りましたが、ここで思ったのは、先述のように、シュトラウスはブラームスから始まっているということ。ピアノ曲の場合それが如実に出ている。聴きながら、どこがブラームスと違うかということを考えていました。で、わかりました。結論。シュトラウスは、ある楽曲の中で必ずどこかに光沢色を使うということ！

モーション・トリオ～地上広場
少し肌寒くなってきていたので、アコーディオンを弾く彼らの指は大丈夫かななどと余計な心配をしつつ聴いていました。しかし彼らのおかげでどれだけ音楽祭の気分が盛り上がったかわかりません。昨年のあまりにも危険な印象だった彼らの「いい人度」がアップして感じられたのは、日本のこうした状況へのシンパシーのなせるわざだったのでしょうか。もちろん彼らのパフォーマンス、大いに楽しみました。リストだろうがブラームスだろうがショパンだろうが、何だって彼らは自分のものにできる。それだけ強いものを持っているのが、彼らの素晴らしいところです。

トリオ・ヴァンダラー＆ファイト・ヘルテンシュテイン（ヴィオラ）～ホールD7
ピアノ四重奏曲を2曲。マーラーの断章と、ブラームスの第1番ト短調。前者の耽美もさることながら、やはりブラームスのト短調は、とてつもない名曲。情熱的で、感情にあふれている。そう、なぜブラームスの音楽がその後の巨人たちにとって重要かというと、そのルーツとしてあふれんばかりの深い感情に満ちた音楽を書いたからではないか。それがすべての源流になっていると思う。

「月に憑かれたピエロ」勅使川原三郎（ダンス）、マリアンヌ・プスール（ソプラノ）、他～ホールC
もう一度聴きたくなったので、再度「月に憑かれたピエロ」へ。勅使川原三郎のダンスから目を離せないので、先ほど詩句に集中しておいて良かった。音楽と詩だけで十分なところに、舞踏が何をもたらすかが大きな注目点でしたが、一か所、胸を打たれるところがありました。それは先述の「詩はおおきな十字架だ」「そこで詩人は赤い血を流す」という音楽的にも一つのクライマックスをなす中盤のところで、勅使川原はいかにも邪悪な表情で、客席の一人一人を指差したのです。これは私の思い違いかもしれませんが、危険な酒のような月の酩酊へと、赤い血を流す詩の誘惑へと、彼は誘っていたのだと思います。そういうゾクッとさせるものが、この人の踊りにはあるのです。

ルネ・マルタンのル・ク・ド・クール～ホールC
最後はお祭りの締めくくりとしてのオールスター協奏曲の夕べ。ここで私はようやく山田和樹の指揮を聴くことができたのですが、どのくらいリハができたのかはわかりませんが、たった1曲、ハンガリー舞曲だけでも、充分個性が出ていて、面白く聴けました。いやはや、噂どおりたいした実力だと思います。庄司紗矢香と勅使川原三郎のバッハ「シャコンヌ」のコラボレーションは、あたかも苦痛に引き裂かれるような思いが伝わってくるような勅使川原の踊り（と呼ぶべきなのか…）に息を詰めて見つめる時間でした。しかしながら、その踊りは、果たして庄司のバッハにどのような波及を及ぼしたのでしょうか。彼女は何かを感じながら弾いていたに違いありません。バッハは永遠のものであるがゆえに、果たしてダイヤモンドのように硬質なものなのか。否、そうではないと思います。バッハも時代によって、状況によって、環境によって、あたかも生き物のようにそれを感じ、変容していくものだと思います。それが如実に判ったのが、この「シャコンヌ」でした。ただし、庄司さんと勅使川原さんは、一度もお互い視線を交わすことはありませんでした。お互いを、肌と息づかいと、音だけで、感じ取っていたのではないでしょうか。近くでそれを一緒に感じてみたかったものです。

最後に。今年のラ・フォル・ジュルネを開催することは、主催者にとって非常に大きなリスクを抱えるものだったと思います。そのリスクゆえ、開催そのものに反対する考えもあったことでしょう。しかしながら、こういう困難な時期だからこそ、強い意志で開催しようと努力したルネ・マルタンと、それに賛同したアーティストたち、そして関係者には心からの敬意を表したいと思います。私自身、自分でも気付かないうちに震災・津波・原発事故によって、知らず知らずにうちにとても疲れていたのだと改めて気づかされました。しかしこの音楽祭の中に溢れていた音楽によって、どれだけ明るく生きる力を取り戻させてもらい、勇気づけられたかわかりません。

4月のまとめ

随分長く更新できませんでした。あまりにも多忙だったのと、いろいろと落ちつかない気分がまだ続いていたのと…。4月に観たコンサート等、簡単にまとめるだけにします。

葉加瀬太郎（4月14日鎌倉芸術館）
ポップス的なフィールドで活躍する葉加瀬さんが、かねてから弾きたいと熱望していたブラームスのヴァイオリン・ソナタ3曲にいよいよ本気で取り組み始めた。
葉加瀬さんという人は、ひとを幸せにするべく生まれてきたような明るさと優しさとユーモアがあって、愛さずにはいられないようなところがあります。それが音楽にも出ているところが、彼の人気の源泉かもしれません。この日の「雨の歌」は、あらゆるフレーズに葉加瀬さんの思いと作品への敬意が宿っていた。ここまで弾くのにどれほどの苦労をされたことかと思いながら、葉加瀬さんにしか弾けない暖かくて優しいブラームスを、私はとても楽しみました。弓の扱いから何から、いつもの葉加瀬さんとは別人のよう。細部まで徹底的に愛し抜いたこのブラームスには、すべてのディテールに歌が宿っていました。しかも謙虚。
後半の、葉加瀬さん本来の上品で愉快な、遊び心たっぷりのエンターテイナーぶりとの対照もよかったです。いつもながらお客さんの雰囲気も穏やかで若々しい。私は葉加瀬さんのファンの持っている雰囲気が好きですね。

ダニエル・クーヤヴェツ　ピアノ・リサイタル（4月16日　王子ホール）
スペイン人でありながら、日本に暮らして演奏活動をされているクーヤヴェツさんは、アルベニスやトゥリーナやファリャなどスペインのピアノ音楽を弾くばかりでなく、自身でも作曲も行う人。
この日もコンポーザー=ピアニストとしての両面が披露されましたが、やはり日本人や他の国のピアニストとは違う、音楽的な言葉遣いを感じました。輝かしさと憂い。決して滑らかではない、ゴツゴツとした独特のくせのあるアクセント。とても興味深い才能を持った彼が、震災・原発事故後も日本に住み続け、こうしてリサイタルを行ってくれたことにとても感謝の気持ちを持ちました。
余談ですが、若いクーヤヴェツさんは、私のやっているネットラジオ番組「カフェフィガロ」に出てくださった際、スペインでは日本が大変人気が高い国だと教えてくれました。「聖闘士星矢」が特に人気あるそうです。私もジャンプ世代なので、あのあたりの少年漫画は全部大好きです。

カフカノート（4月17日　シアターイワト）
高橋悠治さんと波多野睦美さんらによる、カフカの著作を題材にした日本語の言葉と音楽と歌による、実験的なパフォーマンス。
カフカ自身、作品を完成させるということにこだわっていなかった人のようですが、ここでは、さまざまな閃きの言葉を、断片のままつなげていくという手法がとられていました。軽く机をたたく音を断章ごとに挿入していく緊張感が心地よい。観ていたときは、ストーリーがつかめるわけではないので、何が何だかわからないというか、すべての言葉が強度を持って迫ってくるわけではなかったのですが、それでも、いまにしてみると、ああいった断章の連続という表現形式は、とても可能性のあるものだと思わずにはいられません。しかも、いまのこの状況の日本に、ピタリと意味をなしてくるカフカの言葉が数々ある。悠治さんのピアノは相変わらず、この地球上の誰にも弾けないほどの、不思議なにょろにょろした浮遊感を醸していました。あれは本当に忘れ難い。
シアターイワトという場じたいが持つ地下劇場的な雰囲気は、いまや私にとっては病みつきですらあります。

新国立劇場「ばらの騎士」（4月19日）
2007年の初演を観ていないけれど、ジョナサン・ミラーのこの演出は、すごくいいですね。奇抜さはないけれど、登場人物たちの心の動きや人物関係がはっきりと、字幕なしでも理解できるくらい、視覚化されているから。「ばらの騎士」を観るたびに、私はオックス男爵が好きになって行くのですが、今回はそれがさらに顕著となりました。ミラー演出、そしてオックスを歌っていたフランツ・ハヴラタの功績です。
オックスは、いかにも俗物で、酒とカネと若い女が好きなだけの、単純で愚かな、しょうもないオヤジのように見えますが（もちろん私もそうです）、実はこのオペラの中でひとつだけ、非常に高貴な振る舞いをしている。それが、今回の舞台でははっきりとわかる演出になっていました。
それは何かというと、元帥夫人と若い（少年といってもいい）オクタヴィアンとの秘密の愛情関係が明らかになったときの彼の反応に出ていました。オックスはそれを知って驚きながらも、結局見て見ぬふりをしたのです。人の噂話、スキャンダラスな部分、恥ずかしい部分に触れそうになったとき、目をつぶることができるかどうか。これが、その人の真の品性を分ける重要なポイントだと私は思っています。
声楽的には日本人歌手の健闘が光りましたが、特にゾフィー役の安井陽子の銀の糸のように光る声に魅了されました。マンフレッド・マイヤーホーファー指揮新日本フィルも、心に迫る音楽を奏でていました。それは、震災と原発事故の影響もあるのかもしれません。最後の三重唱、シュトラウスを聴く喜びは人生の喜びそのものとさえ思えてきて、本当に泣けて仕方がないほどでした。

フェリシティ・ロット　ソプラノ・リサイタル（4月20日　東京文化会館）
彼女の歌をここで聴くのは、1994年ウィーン国立歌劇場来日公演のクライバー指揮「ばらの騎士」での元帥夫人以来17年ぶり。
シューマン、プーランクに始まり、ブリッジ、ヴォーン=ウィリアムズ、ブリテン、メサジェ、カワードといった多彩なプログラム。ロットの声（と容姿）はまったく衰えを感じさせず、むしろ17年前よりもはるかに美しくなっているのではとさえ思いました。その美しさは、彼女の内面から出たもののように思います。
ロットという人は、この日の選曲や歌い方からはっきりと感じ取れたのですが、人生の苦しみや痛みや葛藤を深く感じていながらも、それを明るく、優しく、ユーモアをもって包み込み、それが全体として大きな余裕のある音楽に昇華されているという点にあると思います。一言でいうと、ロットは、エレガンスの本質とは人生へのある種の態度であるということを、歌によって体現しているのです。
アンコール最後のシュトラウス「明日」は、いまの日本の置かれた緊張と不安の状況に対して、「頑張れ」ではなく、優しくやわらかく、慰めるような、ひとすじの希望の歌と感じられて、またまた泣けて仕方がありませんでした。

アンドリュー・ヨーク＆門光子（4月21日　横浜モーション・ブルー）アンドリュー・ヨーク　ギター・リサイタル（4月24日　Hakujuホール）
アンドリュー・ヨークも、この状況下よく来てくれたアーティストの一人です。
ギターとはそもそも、ギターを弾くひとそのものを体現する楽器だと思います。その度合いは、どんな楽器よりも直接的で強い。弾く人の体臭のする楽器でさえある。そうしたなか、ヨークのギターが素晴らしいのは、彼の人生観や哲学が、そのまま反映されているところにあると思います。
彼の楽曲は、幅広い知識と見識、論理的な構成に基づいています。また彼のギター演奏は、極めて綿密で、柔らかく、安定して、高度なものです。しかしながら、手段の高度さに比べて、表現しようとしている世界は、とても優しくて、自然で、穏やかで、無垢でさえある。
そんなヨークの音楽の性格は、門光子さんにも共通して言えるものです。両日とも堪能させていただきましたが、また何度でも、彼らのライヴを聴きたいものです。

マーティン・ヘイズ＆デニス・カヒル（4月24日　吉祥寺Star Pine's Cafe）
いわゆるアイリッシュ・ケルト系の伝統音楽は、ぜひクラシック音楽の愛好家の視野に入ってきたらいいと思っています。私も15年ほど前から、ほんの少しずつながら聴くようにしているわけですが、この二人のパフォーマンスは、とりわけ魅惑の度合いが強いと思います。
それは、フィドル（マーティン）とギター（デニス）というシンプルさながら、そこに高度な音楽の対話があるからです。彼らは、お互いの瞳の奥まで見つめ合いながら、緊密なデュオの合奏を繰り広げます。最初は抒情的に始まっても、やがて何ものかに取り憑かれたかのような熱狂へとかけのぼっていく。その集中力のすさまじさは、何か精神的に高邁なものさえ感じさせる。
舞踏的な弓さばきで、足でリズムをとりながら、白熱的なノリをつくりあげていくマーティンのフィドルに目と耳はくぎ付けですが、実はそこにハーモニーを添えていく、点描のようなデニスのギターが、絶妙な味を出している。それにしてもこの緊密なデュオ、聴き手の心の中に何と熱い炎を灯してくれることか！
秋の再来日はトッパンホールですし、クラシック音楽の世界の人たちにもぜひ楽しんでいただきたいですね。

東京二期会「フィガロの結婚」（4月28日　東京文化会館）
まずデニス・ラッセル・デイウ゛ィスの指揮について。
彼で未だに印象に残っているのは、ＥＣＭレーベルでのアルヴォ・ペルトの演奏です。現代音楽のイメージのある彼がどんなモーツァルトをやるかは興味津々でした。結果を極言すると、あんなにノリの悪い、暗いモーツァルトはなかったと思います。ただ、あの演奏は確信犯であって、何か音楽の深みを覗きこもうとするようでもあった。
レチタティーヴォ・アコンパニャートのオーケストラ部分では、ギョッとするような遅さの中に、いままでにない不思議な美しさがあった。全体に息の長い演奏で、あの棒についていった歌手たちは、かなりつらかったのでは。でも、一つ一つの音符をいつくしみながら聴くことができたし、それは歌手たちも同じだったかもしれません。不要に急ぐよりは、あのようなじっくりとした陰性の演奏は、充分音楽的だったとも思います。それに躁状態で迎えられる社会状況ではなかったし。そういうことも影響していたのかもしれません。
宮本亜門さんの演出は、基本は前回とほぼ同様。モーツァルトをロココの戯れと捉える考え方とは正反対で、愛し愛されたい純真な人たちの真剣なドラマとして真摯に描いていく。2幕冒頭、スザンナがカーテンを開けると髪を下ろした伯爵夫人が光を嫌がるシーンは、何度観てもズキリと来るものがあります。
あのシーンでは、要するに伯爵夫人は完全に追い込まれた精神状態にあり、死にたいとさえ思っているわけです。そういう思いで暗い部屋に居続けた人に、カーテンをあけた光はまぶしすぎる。このあたりの細かい描写は、とても現代人の感覚としてわかりやすいものだと思います。私が観たＡ組（スザンナ＝菊地美奈、フィガロ＝久保和範、伯爵＝鹿又透、伯爵夫人=澤畑恵美、他）は、どのキャストも、まるでモーツァルトの楽譜から抜け出してきたみたいに、それぞれの役柄のイメージそのものでした。しかも演技の質が若々しい。二期会の若手の層の厚さと今後への期待を感じさせました。